Red Hot Chili Peppers und die Geburt der „alternativen“ Musik

Red Hot Chili Peppers

'Ich muss berichten, dass das Leben kurz ist.' —Anthony Kiedis, 'Dieser Ticonderoga'

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Red Hot Chili Peppers sind die dümmste und sexiest Band aller Zeiten – die höchsten Interpreten dieser beiden kalifornischen Klischees, Dummheit und Sexiness, die sie gleichermaßen untergraben und verkörpern. Ihr viertes Album, der Platin-Durchbruch von 1989 Muttermilch , perfektionierten sie zum ersten Mal die Art von Musik, die ideal in der Akustik leerer Vorstadtschwimmbäder klingt, indem sie den ausladenden Funk des 70er-Souls mit den spartanischen Klängen des L.A.-Punks der 80er punktverschweißt haben ihr Cover von Stevie Wonders Higher Ground. So wie die Beach Boys Jahrzehnte zuvor zum Sound der aufkeimenden amerikanischen Surfkultur wurden, sprachen die Chili Peppers mit den Traditionen der südkalifornischen Skater-Kids, indem sie Instrumente anstelle von Brettern verwendeten, um schralp der gnarl . Danach waren sie die Lieblingsband jeder hingebungsvollen langhaarigen, Vans-tragenden, bekifften kalifornischen Skateratte (und jedes Punks aus dem Mittleren Westen, der diese Pose meisterte). Niemand außer den Plattenmanagern von Major-Label wollte einen polierten Peps; die Rohheit war ein wesentlicher Bestandteil der Chemie.





Die Flucht ist das elfte Album der Chili Peppers und ihr erstes ohne Rick Rubin-Assist seit ihrer ersten Verbindung in den 1991er Jahren Blutzucker-Sex-Magik , das Blockbuster-Album, für das der Produzent die Band bekanntermaßen in die verwunschene Hollywood-Villa verlegte, wo sie ihre inneren Balladen fand. Blutzucker-Sex-Magik war der Rubikon der Band (Rick) in das Land der Ernsthaftigkeit, ein Ort, an dem niemand unbedingt erwartet hatte, dass die Peps jemals gehen würden. Auf Die Flucht , sie verfolgen diese Route. 'California dreamin' is a Pettibon', singt Anthony Kiedis und nickt damit auf die langjährige Verliebtheit der Band in O.G. SoCal-Punks Black Flag und sein Hauskünstler Raymond Pettibon. Im Sound der Peppers hört man Pettibons künstlerischen Stil – breiig und unmittelbar, die Grenzen zwischen Banalität und Brillanz verschwimmen lassen. Es ist da, wie Kiedis' Texte an Dadaismus grenzen können, ausgewählte Worte rappen, die gut zusammen klingen, wie ein hesher Gertrude Stein.

Die Peppers waren eine der ersten Bands, die regelmäßig auf der Plakat Charts, die zu Alternative werden sollten, aber ihr Leben als Modern Rock begann – ein Ort für Post-Punk, Electronic und College-Rock, der sich nicht für die anderen Genre-Charts qualifizieren konnte. Heute halten sie die dreifache Krone für die meisten Nr. 1, die meisten Wochen auf Platz 1 und die meisten Top-10-Songs dieser Charts. Nachdem Nirvana über MTV die Alternative-Nation von Amerikas Randgebieten in seine Wohnzimmer führte, konvergierte die Alternative-Chart mit den anderen Rock-Charts. Aber in den späten 80ern, als es begann, war es ein Ort für Außenseiter-Bands, die nirgendwo anders hinpassten, wie Red Hot Chili Peppers und Sonic Youth – die trotz ihrer wild unterschiedlichen Küstenbilder und -sounds beide Akolythen von . waren dieselbe DIY-Szene und Fans von Raymond Pettibon.



Paul Bergen/Redferns

Von allen Schwanz-schwingenden Bands in der Rockgeschichte hat niemand jemals mehr Spaß gemacht, einen Schwanz aussehen zu lassen, als Red Hot Chili Peppers. Sie haben angefangen zu tun ihr Schwanz-Socken-Bit bei ihren Live-Shows in Hollywood in den frühen 1980er Jahren und brachten es auf immer größere Bühnen, als ihr Star aufstieg. Frühere Rock-Götter wurden immer von extrem engen Hosen mit suggestiven Umrissen unangenehm zurückgehalten, aber die Chili Peppers führten Cock Rock zu seinem logischen Ergebnis – befreie deinen Schwanz und dein Verstand wird folgen. Sie ließen einen Schwanz so aussehen, wie ich es mir vorgestellt hatte, einen zu haben. Sie wussten, dass sie lustig waren; Sie nahmen die Homoerotik an, die rein männlichen Bands innewohnt, und sie schienen sich selbst nie zu ernst zu nehmen. Aber sie waren eindeutig ehrgeizig – niemand kommt aus Versehen an die Spitze – und mit gerade genug gesegnet Selbsterhaltungstrieb nicht alles zu sprengen.

Wenn Nirvana und andere Bands aus dem pazifischen Nordwesten vor den Lunkhead-Jocks zurückschreckten, die sie als Fans gewannen, als sie zu bekannten Namen wurden, begrüßten die Chili Peppers sie in echter südkalifornischer Manier. Die Brüder, die auf einem Wodka-Eisrodeln in das Peppers-Fandom rutschten, wurden von der Band mit offenen Armen begrüßt. Als Nirvana bei den VMAs 1992 – dem Höhepunkt des kulturellen Horn-Lockings zwischen Punks und Jocks des frühen Jahrzehnts – mit Guns N’ Roses beinahe hinter die Bühne gerieten, überbrückten die Peppers die Lücke. In einer Zeit, in der der Ausverkauf ein heiß umstrittenes Thema war, schienen die Peppers nie mit ihrer Mainstream-Akzeptanz zu ringen. Vielleicht lag es daran, dass sie sich nicht wirklich ändern mussten, um ausverkauft zu sein: Die Welt hat sich einfach an einen Ort verschoben, an dem ihre freaky styley wurde nach und nach eher als normaler Styley angesehen.

Die Peppers kamen ursprünglich zusammen mit anderen kalifornischen basslastigen, fusionsorientierten Bands wie Faith No More, Fishbone, Jane’s Addiction und Primus an, die von Funk-Punk-Nachgeburten bedeckt waren. Die Basslinien im Mittelpunkt hatten Tradition bei kalifornischen Punks wie Minutemen und Black Flag. Flea begann als Jazztrompeter – seine ersten Idole waren keine Rockgötter, sondern Miles Davis und Dizzy Gillespie. Die omnivore Breite ihrer Einflüsse hat die Peppers so faszinierend gemacht. Wie Greg Ginn von Black Flag vor ihnen, der sah keinen ideologischen Konflikt zwischen seiner eigenen Band und The Grateful Dead entschärften die Peppers alle verfügbaren Genre-Binaries. Ihr Kernsound war ein kontinuierlicher Strom von kaufmännischen Und-Zeichen – Punk & Funk & Soul & Disco & Rap & Rock. Was ihre vielfältigen Interessen musikalisch vereinte, war die konsequente Ausrichtung auf Groove und Spontaneität.



Aber anstatt ein volles Party-Monster zu werden, sahen sie die Entwicklung der Chili Peppers zu einer bisher undokumentierten Weichheit. Damals sah es nicht danach aus, aber im Nachhinein sind die Peppers vollendete 90er-Jahre-Männer. Sie untergraben traditionelle männliche Verhaltensmoral des Stoizismus auf die eine Art und Weise, wie es Männern immer erlaubt war – in Liedern. Die Band strebte danach, Aggression als Kanal für ekstatische Freude und tiefe Traurigkeit auszudrücken, anstatt Wut und Gewalt. Androgynie rekapituliert nicht immer Philologie, aber die Peppers der 90er haben sich für mich nie wie Brutes oder Jocks angefühlt. Ihre ständige Nacktheit und sexualisierte männliche Objektivierung ihrer Videos und Performances schienen ein Schutz gegen Homophobe zu sein. Und ich bewunderte die ununterbrochene Athletik der Band genauso wie Surfer und Skater, als etwas, das ich respektiert habe, obwohl es meinen eigenen Fähigkeiten völlig fremd war.

Joe Dilworth/Photoshot/Getty Images

Die Geschichte besagt, dass niemand die manische Energie der jungen Peppers bändigen und kontrollieren konnte – niemand konnte ihre raue Live-Show in ein Album-Äquivalent verwandeln, nicht einmal ihr Held und irgendwann Produzent George Clinton – bis Rubin ihnen das Meditieren beibrachte. Der ultimative kalifornische Machtschritt besteht darin, sich mit einem spirituellen Mentor zu verbinden; Rubin und die Chili Peppers waren ein schicksalhaftes Paar, mit seinem Hass auf Schuhe und ihrem Hass auf Hemden. Er lehrte die Band, die Dynamik ihres Spiels zu variieren, um die Hektik mit Nachdenklichkeit zu verstärken. Gib es weg könnte das aggressivste Lied sein, das jemals vom Buddhismus inspiriert wurde – das Lied entstand aus einem philosophischen Vortrag über Selbstlosigkeit, den Kiedis von seiner Ex-Freundin Nina Hagen gehalten hatte. (Lesen von Kiedis Autobiografie von 2004 Narbengewebe Vor ein paar Jahren war ich beeindruckt, wie oft er seine frühen Ex-Freundinnen als Mentoren bezeichnete.) Give It Away war der Moment des großen Triumphs der Band – ein Höhepunkt, der auf einen unvermeidlichen Niedergang hindeutete.

Die Peps überlebten und gediehen, als andere Bands der 90er verwelkten und starben. Ihre Fähigkeit, bestimmte Genres zu überschreiten, ermöglichte es ihnen, die Great Grunge Genre Death Wave zu überleben. Als Alternative Ende der 90er und Anfang der 2000er zu Rap-Rock umgestaltet wurde, fanden die Peppers einen neuen Status als ihre Vorfahren, mit ihrem Fokus auf Breaks und Licks. Ihre chamäleonartige Natur war eher ein Gewinn als eine Belastung – es gab keinen Ton, in dem sie nicht etwas finden konnten, das ihnen gefiel. Unter der Brücke ist so zart, dass es jetzt regelmäßig in den Softrock-Radioformaten ist. Aber je größer sie wurden, desto weniger von diesem Underdog-Gefühl blieb übrig, um den Verdacht einzudämmen, dass ihre Macho-Cali-Brüder ernster sein könnten, als ursprünglich angenommen.

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1999 Kalibrierung festigten die Peppers als Rock-Legacy-Band, und in der großen Tradition der Rock-Legacy-Bands wurden sie bald zu einer parodischen, abgestandenen Wachsmuseumsversion ihrer selbst. Karikaturhaftigkeit war schon immer Teil der Ästhetik der Peppers, aber die Band wagte sich mit der reinen Selbstkarikatur Kalibrierung , gefolgt von der langsamen Entnervung der 2002er Jahre Übrigens , 2006 Stadium Arcadium , und 2011 Ich bin bei dir . Diese Alben enthalten alle Balladen, die die rührseligsten Aspekte ihres Under the Bridge-Erfolgs ohne Neuinterpretation wiederaufbereiten, und Jams, denen die abtrünnige Manie fehlt, die sie 1987 perfektioniert haben Der Uplift Mofo Partyplan . Von Dani Kalifornien , sie haben schon wieder aufgewärmt Kalibrierung , und die Band schien zu groß zu sein, um sich darum zu kümmern.

Nachdem ich einen riesigen Sprung gemacht habe mit Blutzucker-Sex-Magik , vielleicht war ein weiterer Sprung zu viel zu erwarten. Nachdem Rubin den Sound der Band einmal abgespeckt und poliert hatte, konnte er anscheinend nicht mehr tun, um ihn neu zu definieren, und die Alben, die auf die Art von aufgeblähtem Stadionrock ausgerichtet waren, schienen die Band ursprünglich wie ein Ballon-knallendes Gegenmittel.

Jeff Kravitz/FilmMagic

In einem anderen Sinne ist die Tatsache, dass die Red Hot Chili Peppers zu den ältesten Staatsmännern des amerikanischen Rocks wurden, ihr bisher bester Schwachpunkt. Diesen Sommer werden sie Lollapalooza zum dritten Mal in ihrer Karriere Headliner sein. In einem Moment, in dem Rockmusik für die Populärkultur weniger wichtig ist als seit ihrer Geburt, haben die Peppers wieder einmal alle Erwartungen übertroffen, indem sie sich nicht in eine Schublade gesteckt haben. Auf Die Flucht , engagierte die Band Danger Mouse, um zu produzieren, und seine heißbutterigen Seelen-Schnörkel verbessern ihre neuen Songs, ohne sie zu überfordern. Die Band klingt wiederbelebt, erwacht von einem jahrzehntelangen Anruf. Die wichtigsten Referenzen hier scheinen Bobby Caldwells 'What You Won't Do for Love' und kalifornische Low-Rider-Funk-Klassiker zu sein, die auf Art . gedreht wurden Laboes Radiosendung seit Jahrzehnten – alles gespickt (sorry!) mit bekannten Kiedismen wie 'ayo, ayo, ayo, ayo, blacklight' und 'Mexiko, du bist mein Nachbar.

Die Band klingt lockerer als in den letzten Jahren, und anstatt der Nostalgie nach ihrem eigenen Spitzensound der 90er nachzujagen, nähert sie sich dem Funk und Soul der 70er, der die Gruppe dazu inspirierte, Musik zu machen. Das Album ist reich an kleinen Überraschungen: Der Titeltrack lässt die Herzen höher schlagen mit einer weiblichen Stimme von Anna Waronker, der engelsgleichen Frontfrau der 90er-Kultband That Dog. Die erste Single 'Dark Necessities' nimmt mit ihrer Klavierbrücke eine unerwartete Wendung in epische Größe. 'The Longest Wave' ist ein stoned Spicoli Surfer-Traum über das unvermeidliche Ende einer Beziehung mit einer Frau „unter meiner Haut und halb so alt“ wie Kiedis mit den Worten „sakrosankt“ und „Steinbrech“ herumwirft. Der Tiefpunkt des Albums ist 'Detroit' mit seinem Refrain 'I'm like Detroit, I'm crazy, der sich hoffentlich als abgefeuerte Schüsse liest.

Fans haben spekuliert, dass einige von Die Flucht In den emotionaleren Texten von Kiedis geht es um das Ende von Kiedis' dreijähriger Beziehung mit dem 22-jährigen australischen Model und der Schauspielerin Helena Vestergaard — was für Kiedis super lang ist, der in der Regel das Rockstar-Klischee von lebt für immer mit jungen Models ausgehen . Auf 'Go Robot' singt er von einem Mädchen, das 'wie Alice Cooper aussah', aber das erste, was ich dachte, als ich vor ein paar Jahren Fotos von Kiedis und Vestergaard zusammen sah, war, dass sie mit ihren langen, glänzenden braunen Haaren so aussah ein junger Anthony Kiedis. Machen Sie daraus, was Sie wollen.

Die Flucht findet den 53-jährigen Kiedis, der über die Kluft zwischen seiner mentalen ewigen Jugend und der Realität seines alternden Körpers nachdenkt, oder während er auf The Hunter singt, denke ich immer noch gerne, dass ich neu bin / Die Zeit geht einfach / Erdbeeren übrig verfallen.' Es ist ein RHCP 'Cat's in the Cradle' über Kiedis' doppelte Beziehung zu seinem 8-jährigen Sohn Immer Bär und sein Vater John Kiedis, alias „Blackie Dammett“ – der die Jaid Barrymore Erziehungsstil, der im Hollywood der 1970er Jahre nicht ungewöhnlich war. Dammett war ein Stricher am Sunset Strip, der Drogen verkaufte und kleine Rollen spielte Fleischbällchen II und Starsky und Hutch . Der ältere Kiedis ermutigte seinen Sohn, mit Sex und Drogen zu experimentieren in jungen Jahren , und prägte seinen Nachkommen zweifellos seine eigenen Träume vom Superstar auf. 'The Hunter' ist eine Akzeptanz ihrer komplizierten Dynamik: 'Auch wenn du verrückt bist, wirst du nie stören.' Der Song wird von einer melancholischen Streichergruppe unterlegt und markiert das erste Mal, dass ich Anthony Kiedis in meinem Kopf mit Lee Hazlewood verglichen habe, obwohl sie zuvor den gleichen Schnurrbart hatten.

Neben Hazlewoods üppigem psychedelischen Country-Pop der 70er Jahre sind hier auch andere bemerkenswerte kalifornische Stile am Werk – Mamas and Papas Sunshine Pop, Dick Dale Surf Rock. Danger Mouse ergänzt es mit seiner besonderen Spezialität Orchester-Soul à la Isaac Hayes. Als Produzent gibt uns die Maus Chili Peppers, die sich nachweislich älter fühlen als die in Bernstein konservierte Version ihres Selbst von 1999, die sie in den letzten 17 Jahren waren. Das Album ist leicht und sprudelnd, mit einer Zen-Atmosphäre, die eher Keanu als Pema ähnelt. Es strebt danach, nichts anderes als eine kurze, schöne blaue Welle zu sein, die der Hörer mit seinen eigenen Sinneserinnerungen schnitzen kann, und ist als solche erfolgreich. Kaltes Wasser ist tief .

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